TRABAJO I ARTE CONTEMPORANEO EN PATIOS DE QUITO

Patio 1

Patio “Cadisan”

Historia: Casa de Diego Sandoval, construida posiblemente

  1880. Se distingue por la magnolia patrimonial en

   Su patio. Alberga a la secretaria general de coordinación

                 Territorial y participación.            

Artista: Larissa Maragoni (Guayaquil 1967)

Obra: Incorporándola en su obra enfrentada a un espejo que la refleja como un árbol talado, la artista comenta la desaparición de las magnolias en Quito y, en general, la deforestación de las ciudades contemporáneas. Su espectacular alegato ecológico nos introduce metafórica y visualmente en el problema: al otro lado del espejo, un texto reflectante captura nuestra imagen y parece responsabilizarnos a todos con un problema global que a todos afecta e involucra.

Análisis y crítica personal

Lo que busca el artista en esta obra es tratar de concientizar a las personas que la ven ya que trasmite una cruda  realidad en la sociedad consumista y materialista en que vivimos: al plasmar un gran mural en la pared del patio, con un diseño artístico de un árbol talado y usando para este, dé base, un espejo, el artista intenta que con el reflejo cuando lo miremos nos miremos a nosotros mismos encerrados en la percepción del artista, del hecho  que nosotros mismos tenemos la culpa de la perdida de esta especie como es la magnolia y no solo esta especie también, pudiéramos darnos cuenta de todas las cosas que hemos talado en la vida dejando extintos a los deseos y los sueños  y dejando en nuestra mente una pregunta: ¿Cuanto más vamos a extinguir?

Patio 2

Patio “La casa del hijo “

Historia: Construida a finales del siglo XVIII e inicios del siglo XIX

Pertenece hoy a la familia Recalde Mora. Se distingue por la higuera

Patrimonial en su patio, un árbol que era característico de los patios

Coloniales y republicanos en Quito.

Artista: Priscilla Monge (costa rica )

Obra: Una creencia popular afirma que el higo favorece la fertilidad, pero si se toma en exceso funciona como abortivo. La artista se ha inspirado en esta contradicción del fruto, que contiene una frontera entre la vida y la muerte, y en otra creencia popular sobre una banca en el Convento de Santa Catalina de Siena, que brinda fertilidad a quien en ella se sienta. Monge ha construido dos bancas enfrentadas junto a la higuera patrimonial que da nombre al patio: una con un texto alusivo a la vida, otra con uno que refiere a la muerte. Siguiendo su interés artístico en los problemas femeninos y la violencia en la vida cotidiana, ha propuesto aquí una nueva leyenda: quien se siente en la banca de la vida quedará embarazada, quien en la otra, abortará.

Análisis y crítica personal

Es interesante como el artista plasma esta obra de arte,  ya que intenta de la mejor manera unir las dos leyendas o cuentos, que encierran este patio, como es, la de los hijos y  la leyenda de las bancas del convento de Santa Catalina de Siena haciendo una dualidad de conceptos entre el objeto vivo y el simbólico; es un tanto jocoso pero a la vez realista la manera de interpretar la vida y la muerte, a simple vista se podría interpretar que la obra es sencilla(a mi percepción), pero reflexionando no es tomando en si a la obra de arte, si no, a  la idea que tubo la artista para unir dos conceptos diferentes y plasmarlos de una manera extraordinaria y demostrando la genialidad de la artista costarricense.

Patio 3

Patio “Carrasco Oña”

Historia: esta casa perteneció a varios propietarios.

Funciono como el edificio de estancos. Ha sufrido daños

Y restauraciones. En ella nació el poeta Alfredo Gangotena

Artista: Pablo Cardoso (cuenca)

Obra: El poeta francés Henri Michaux vivió y escribió en esta casa durante un viaje a Ecuador. Cardoso ha reproducido en el suelo de los patios algunos de sus versos, y ha hecho correr el agua por los desagües de modo que caiga sobre ellos, diluyéndolos en su materialidad por el choque del líquido. De este modo ha tomado una memoria poética de la casa y la ha unido al carácter de intemperie, de humedad y frescor propios del patio desde tiempos de Roma. La intervención es también una obra de deleite sonoro, que desarrolla el murmullo de las fuentes típico de los patios, en la tradición árabe. Y es también una experiencia casi mágica, que parece activar los misterios domésticos del lugar.

Análisis y crítica personal

En esta obra el artista trata de darle un alma a las cosas, darle un espíritu, un enfoque más humano a lo rígido y frio de la piedra, es por eso que coloca en los patios versos de un poeta para darle vida y armonía a esta edificación, y mescla los conceptos del lenguaje con el arte para darnos una clara explicación de lo que quiso decir con la obra; para darle un toque místico, profundo, sensible, vulnerable a las emociones fusiona dos materiales casi incompatibles como es el metal y el agua, con esto quiere darle un fondo dramático a las frases penetrantes del poeta, tratando de hacernos pensar que no funciono los materiales pero sabiendo que la obra se concluiría con el caer de las gotas de agua, oxidando el metal.

Patio 4

Patio “Museo miguel de Santiago”

Historia: el convento de San Agustín se comenzó a construir

A inicios del siglo XVI. El edificio se caracteriza por su amplio patio Con pinturas murales y por la sala capitular

Artista: Mona Hatoum

Obra: En su obra aquí ocurre el proceso contrario: de la barricada militar –que interrumpe el acceso a un patio emblemático en la historia de Ecuador— brota la hierba, la vida en vez de la muerte, deviniendo un jardín colgante.

Análisis y crítica personal

En un principio cuando visite la obra simplemente no sabía cuál es el arte de este objeto que se formaba como una barrera en el patio del convento de San Agustín, pero al analizarlo a profundidad y relacionándolo con la historia del patio y la historia colonial de quito, me pareció interesante como el artista combina lo serio, lo duro, lo impenetrable con algo vivo, verde, creciente, y lleno de esperanzas; esta obra hace pensar en cómo una sociedad sin futuro, rígida, oprimida, sin ilusiones, comienza a cambiar su pensamiento y lo llena de esperanzas y sueños, haciéndolo de un modo sencillo pero impresionante.  

Patio 5

Patio “casa de las artes”

Historia: La ronda es una callejuela que da nombre a una

Zona ubicada al sur de la plaza grande. Fue usada como ruta

Prehispánica para descender a la Ullaguagua Yacu, o

Quebrada de Jerusalén, donde ahora está la av. 24 de mayo

Artista: Cristina Lucas (España)

Obra: La obra retoma un pasaje de Alicia en el país de las maravillas, el libro de Lewis Carrol, en el que la protagonista crece hasta no caber en la habitación, y saca un brazo por una ventana. La artista lleva a un espacio real la inquietante fantasía de Carrol, en una obra que alude además al enclaustramiento de la mujer en el edén doméstico del patio. Es una imagen seductora, poderosa y con muchas reverberaciones locales: Alicia atrapada en La Ronda.

Análisis y crítica personal

Esta obra es la que más me impresiono, no por su enorme tamaño si no por la manera de  representar su ingenio y talento al mostrarnos como una ironía de la calle estrecha, angosta, de volúmenes pequeños, y larga como una tira de nuestra historia; a un brazo gigante saliendo por una diminuta ventana a la calle la ronda y empuñando su mano para tratar de capturar a quien la podría ayudar del encierro y su tediosa incomodidad. El artista dejo inconclusa la obra para que los transeúntes la terminaran (como se ve en la foto).

Patio 6

Patio “hospital psiquiátrico”

Historia: Construido por los jesuitas a mediados del siglo

XVIII. tuvo uso de conventual y de hospicio.

Artista: Javier Téllez 

Obra: El artista ha reproducido aquí escritos “glosolálicos”, es decir, incomprensibles, entresacados de los textos del escritor y teatrista francés Antonin Artaud (1896-1948), quien llevó el lenguaje a los límites de su capacidad de significar y estuvo internado en una clínica mental. El hospital siquiátrico resulta la ubicación perfecta para este homenaje a Artaud, provocando reflexiones acerca de las fronteras entre irracionalidad y razón, entre significados establecidos y significados “otros”, acerca de la imposibilidad de traducir... en fin, explorando las dimensiones expresivas y las fronteras del lenguaje.

Análisis y crítica personal 

El artista encontró un lugar acorde con su idea artística para darle un fondo adecuado a su obra; que mejor lugar que en este patio del hospital psiquiátrico San Lázaro donde lo cuerdo no es lo común y lo absurdo es lo cotidiano. Es algo impresionante como el artista realizo su idea de tal forma que esta tenga un buen concepto y sea más que palabras sin sentido colgadas en los arcos, si no que sientan la diferencia entre lo real y lo alusivo de la vida.

Patio 7

Patio “Villacres Miranda”

Historia: Esta casa no tiene mayores registros históricos

Se presume que perteneció a la familia Espinoza Polit

Actualmente alberga diferentes talleres artesanales

Artista: Miguel Alvear( ecuatoriano )

Obra: El artista ha diseñado un gigantesco inflable con la imagen de El Niño Dios, un ícono de la religiosidad popular, basándose en una pequeña imagen del taller de un restaurador que trabaja en el patio. El inflable fue bendecido por un sacerdote, siguiendo los ritos tradicionales. Funcionará como una atracción publicitaria para los artesanos que prestan sus servicios en el patio, que fue bautizado por ellos con el nombre que da título a la obra. Como parte de su intervención, Alvear ha facilitado una cantidad de actividades que los artesanos propusieron. Entre ellas, realizó fotos de modelos engalanadas por la peluquera y el joyero, mientras el fotógrafo del patio tomó retratos a los visitantes y los iluminó para exhibir como un mural. También se “clonaron” (un procedimiento de reproducción exacta de pinturas que practica otro de los artesanos) las obras más valiosas de cinco artistas ecuatorianos vivos, las que se pusieron en venta, etc. La intervención de Alvear ha integrado en forma activa a los inquilinos del patio, creando una interfaz entre arte contemporáneo, artesanía y cultura popular. A la vez, ha roto el orden del paisaje del Centro Histórico con la magnificación de una imagen propia de la estética del lugar.

Análisis y crítica personal

El artista estudio muy bien y a profundidad el sitio donde plasmo su obra de arte ya que supo interactuar con el medio en el que estaba, realizando actividades con los artistas que se encontraban en el patio como es la de la restauración de niño dios y la vieja fotografía que por la tecnología y el pasar de los años estaban olvidados en este patio pero con la ayuda del artista y el enorme niño dios traerán a la masa. Esta obra es muy osada por su material y su originalidad. Cuando en nuestras vidas nos hubiésemos imaginado un niño dios gigantesco e inflable; el artista también lo supo y no dudo en hacerlo.

Patio 8

Patio “Museo casa de sucre”

Historia: La casa fue construida en 1812 y se restauro en 1977

Fue vivienda del Mariscal Antonio José de Sucre, quien

Residió en ella después de su matrimonio.

Artista: Magdalena Atria

Obra: La artista se ha inspirado en la muerte de la única hija de Sucre, quien a la edad de dos años cayó desde el balcón de esta casa. Cuando ocurrió esta tragedia el mariscal ya había fallecido, por lo que quedó sin descendencia. Atria usa metafóricamente el carácter vulnerable y perecedero de la plastilina –que la artista trabaja con gran oficio en forma abstracta— para pintar con ella una gran mancha que cae desde el segundo piso, pasando por el balcón, como una alusión y estatización del hecho. De este modo la tragedia se transforma en imagen y la imagen en desplazamiento artístico de las formas y contenidos historicistas tradicionales del Museo.

Análisis y crítica personal

Los colores vivos y la buena combinación de tonos marcan una obra muy interesante y extremadamente sugestiva que encierra varias interpretaciones por sus formas y matices que intentando interpretarlos se podría decir que la mancha intenta decirnos algo, como los matices de los colores vivos en la parte de arriba y los opacos y fríos en la parte inferior esto demuestra que la artista trata de narrar una historia entre la vida y la muerte, por medio de su creación, al inspirarse con la tragedia del Mariscal Antonio José de Sucre por la pérdida de su hija y “pone la cereza en el helado” con el nombre de su obra por el acontecimiento sucedido (no te veré morir ).

Patio 9

Patio “Museo centro cultural”

Historia: fue el cuartel real. El edificio formo parte anteriormente

De las instalaciones de la compañía de Jesús, al ser expulsados

Jesuitas sus bienes quedaron bajo la administración de tempora.

Artista: Rubens Mano (Brasil)

Obra: El artista trabaja con los lugares y los espacios mismos, mediante intervenciones que a menudo, como en este caso, re-utilizan y desplazan elementos existentes en el sitio. Articula así una práctica que hace de la institución misma que la acoge su material de trabajo, proponiendo nuevas estrategias para usar y explicar el lugar. En este patio de gran importancia histórica Mano ha eliminado la jardinería alrededor de la picota que allí se exhibe, resaltándola, y ha trasladado las plantas a otro cantero, que queda sobrepoblado de vegetación. Se transforma así la percepción establecida de un lugar “inmóvil”, provocando una mirada nueva sobre el patio y sus cargas emblemáticas.

Análisis y Crítica personal

Para el artista encontrar el entendimiento de esta obra con las demás personas, es un poco difícil pero cuando se reflexiona se da cuenta que esta obra es muy profunda y quiere expresar fuertemente que en la vida siempre va a existir dos caras lo bueno y lo malo o tomando su obra lo exuberante fértil lleno de vida con lo vacio y estéril siempre teniendo en cuenta que cuando hay vacios o problemas en la vida al frente de nosotros abra la esperanza.  

Patio 10

Patio “Biblioteca centro cultural”

Historia: El patio sur es parte de las antiguas instalaciones

De la compañía de Jesús, donde funcionaba la universidad.

Artista: Jorge Perianes ( España)

Obra: Los patios son pedazos de naturaleza viva metidos dentro de las casas. La gigantesca telaraña hecha por el artista hiperboliza la presencia, a menudo inadvertida, de esos otros “inquilinos” que habitan los patios. La espectacularidad de la obra transforma un lugar público y sorprende a quienes lo transitan, cambiando la rutina establecida por un choque estético, dejándolos con preguntas, misterios y fantasías. Esta telaraña no nos atrapa por su invisibilidad, según ocurre a los insectos con las telarañas reales, sino por su exceso de visibilidad, por su exuberancia enigmática.

Análisis y crítica personal

Cuando el artista entro por la entrada principal de este patio vio dos árboles paralelos que se alzaban al cielo, como un lienzo esperando a ser pintado, inmediatamente el artista se dejo llevar por su imaginación e ingenio y plasmo algo que para su interpretación deberíamos estar en la mente del artista, pero lo que no cabe dudas es la relación de proporciones que hace: siempre las telarañas se las hace en sitios estrechos y pequeños, pero el artista a manera de ironía realizo una gigantesca telaraña que no atrapa moscas pero si a nuestro asombro.