Exposicion de Arte Mariano Retro

Los 91 años del Salón Mariano Aguilera se conmemorarán el 18 de noviembre en el Centro de Arte Contemporáneo, Antiguo Hospital Militar.

La muestra retrospectiva estará abierta al público hasta el 25 de febrero del 2011.Apenas en veinte años, de 1917 a 1940, el arte ecuatoriano se estremece y se alienta con tres acontecimientos importantes. En 1917, el nacimiento del Salón Mariano Aguilera; en l939 la inauguración del Salón de Mayo del Sindicato de Escritores y Artistas del Ecuador, cuyo Secretario fue el recordado `periodista Jorge Reyes; finalmente, el 28 de octubre de 1940 se fundaría la Galería Caspicara, con Eduardo Kingman como Director.

 En 1982, sesenta y cinco años después de la creación del Salón Mariano Aguilera, el Municipio de Quito, realizó una retrospectiva que permitió al público ecuatoriano tener una visión rica y multiforme de lo más significativo del arte Ecuatoriano. Allí pudimos admirar la diversa tesitura y trama, simbología y presencia del arte de nuestro país, ese espíritu contestatario y rebelde, melancólico y dramático, que son rasgos sobresalientes de nuestra identidad y que nos permitieron conocer las obras de extraordinarios artistas como Galo Galecio, Jaime Valencia, Oswaldo Viteri, Germania de Brehil, Araceli Gilbert, Gilberto Almeida, Nelson Román, Ramiro Jácome, Carlos Viver, Mariela Garcia, Mariana Fernández de Córdova, Mario Ronquillo, Luigui Stornaiolo, y muchos, muchos otros pintores, escultores, grabadores, hombres y mujeres, que dejaron su profunda huella de trabajo y perseverancia y que quedará grabada para siempre en el rico panorama del arte ecuatoriano.

Critica y Pensamiento

Con esta retrospectiva de pinturas se pudo ver como el arte a ido desarrollándose y cambiando mediante el tiempo, así como cave mencionar que en esta exposición de arte se demuestra que el tiempo es un factor clave en las pinturas y no solo el tiempo cíclico si no la época es la que marca el estilo de una obra de arte. Se noto el esfuerzo el talento y la pasión con la que los artistas plasmaban las obras también se puede observar en estas obras la pasión y el sentimiento que intentaba trasmitir el artista al pintar obras que para la época hablaban más que las palabras , en conclusión la exposición es un tesoro ya que es parte de nuestra vida y de nuestra historia.

Gaudí

Introducción e historia

Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer. Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho.

Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide.

La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña.

Crítica y comentario

El arquitecto Gaudí trata de realizar una obra fuera de lo común en su época, es decir trata de cambiar los conceptos de arquitectura de su época dándoles un toque o se podría decir un estilo de movimiento, el pretendía que las construcciones no permanezcan estáticas ni rígidas como se construían en su tiempo el quería que su arquitectura resalte de una arquitectura estática y sin movimiento a una arquitectura rítmica y como forma de sugestión tratar de inspirar formas y movimientos a sus edificaciones, es por este motivo que opto por las formas organicas y no geométricas en su mayoría. También se podría mencionar que él pretendía romper conceptos de arquitectura de una manera no tan frenética ni brusca con relación con la arquitectura de su entorno sino quería un poco mesclar el concepto antiguo con lo moderno para que no exista un choque de identidad. Sin duda Gaudí ha sido uno de los precursores del modernismo en la arquitectura y el más importante de España.

Exposicion de Arte Contemporaneo Aliansa francesa

Introduccion:

La exposición de arte contemporáneo se dio en los establecimientos de la alianza francesa en quito desde el mes pasado, trayendo obras de artistas plásticos de todas partes del mundo pero en especial de Francia. Dando a conocer sus obras y trabajos en diferentes materiales y distintos tipos de arte como la escultura y la pintura, aunque prevaleció mas la escultura, rigiéndose todos estos trabajos en un concepto especifico que se pudo notar en todas las obras que estaban expuestas. Un concepto que remarcaba la sencillez, elegancia y en cierto momento lo minimalista.

Critica y opinion:

La combinación de colores chillones con la magia de las figuras geométricas hace que estas obras de arte sean únicas y maravillosas. Las obras presentaban distintos caracteres unas eran ordenadas es decir tenían una compleja gama de colores clasificados por tonalidades dando un concepto totalmente estético y ordenado inspirando a quienes los veían a una especie de calma y paz, estas figuras matizaban con figuras rectas haciendo notorio el cuadrado, el rombo el triangulo y algunos poliedros regulares que hacían un perfecto  compas a la obra de arte, otros trabajos eran osados y atrevidos a la hora de dializar el concepto de color con materia es decir materializaban  la forma abstracta de ver estas figuras con colores escandalosos pero que armonizaban con figuras irregulares y hacían una verdadera obra de arte.

En las esculturas las formas sobrias y elegantes sobresalían de la exposición, en ellas se podía resaltar la sencillez y complejidad que denotaban estas obras de arte que hacían una ambigüedad de conceptos, en otras esculturas prevalecía el monocromático es decir solo tenían un solo color con el que se podía asegurar su concepto de sencillo, y el color que eligieron los artistas era el rojo que despertaba cierto interés al observador y resaltaban de toda la exposición ya que contrastaba el rojo artístico con lo blanco de las paredes. Otras esculturas estaban realizadas de materiales translucidos tratando que la interpretación de la obra sea comparada con el alma trasparente de cada persona y resaltando con las formas irregulares de la escultura.

La exposición fue muy inspiradora y muy bien trabajada, gusto mucho a los observadores de arte, por su conceptualización al momento de trabajar con el arte contemporáneo, prevaleció mas lo sobrio y geométrico.

Tradiciones en el Ecuador

Día de los difuntos (Finados)

Esta tradición se celebra en todos los rincones del ecuador con su folclor en cada provincia y sus celebraciones propias de cada cantón, parroquias y pueblos del Ecuador. La tradición general en todo el Ecuador, como ya la conocemos es pasar reunidos en familia recordando a nuestros seres queridos que están descansando en paz, comiendo nuestra comida típica como es la colada morada y las guaguas de pan, visitando también en el cementerio a  los difuntos, pero en cada pueblo y zona del Ecuador tienen sus ritos endémicos que los hace especiales y no solo de un pueblo, también cada familia del Ecuador tiene sus propias tradiciones en esta época de reflexión y sobre todo de unión familiar.

La tradición de mi familia es milenaria ya que pasa de generación en generación. Nuestra familia celebra el día de los difuntos en la provincia de Chimborazo en el cantón Penipe en un pequeño pueblo llamado Bayushig en este pueblo crecieron mis bisabuelos dejando numerosas historias. Toda mi familia se reúne en la casa familiar del pueblo y celebramos finados a nuestro propio estilo. El primer día todos colaboramos para preparar el cerdo para la comida, hacemos fritada, también hacemos pan en el horno de piedra y las guaguas de pan, hacemos también colada morada, y todos pasamos el día de finados unidos; pero lo que le hace especial a esta tradición a parte de la unión familiar y los momentos especiales con la familia es en la noche.

Toda la familia a las 12 de la noche vamos a ver al “ANIMERO” , caminamos hasta el cementerio y lo escuchamos despertar a las almas del cementerio en un rito tenebroso y misterioso con un aire pesado, pero con mucha devoción y respeto por esta tradición.

EL ANIMERO

En la misa del domingo las personas del pueblo se confiesan ante el cura de la iglesia del pueblo todos sus pecados que han cometido, el padre perdona sus culpas con la condición de hacer una penitencia. La penitencia que tendrá que hacer es 9 años de animero, los años dependen del pecado que ha hecho la persona. El animero es una persona común y corriente que está pagando sus culpas haciendo un rito sagrado que consiste en hacer una procesión a las 12 de la noche, vestido de blanco, cantando una canción para que las almas le acompañen en su procesión y así se despierten y caminen con él. El trayecto que debe seguir el animero es desde el panteón del cementerio del pueblo hasta el panteón del cementerio del pueblo vecino, totalmente solo y si tiene suerte con la luz dela luna de compañía e iluminando su camino ya que en el pueblo no hay mucha luz eléctrica, existen zonas totalmente obscuras.

El animero viste una túnica blanca y lleva en su pecho un crucifijo y una calavera representando el bien y el mal, en su mano derecha una campana que anuncia a la gente del pueblo su llegada, en su cintura carga un látigo que le protege de cualquier mal (según la tradición el látigo lo utiliza para ahuyentar a los demonios que lo persiguen y molestan, dicen que estos demonios se transforman en perros y el animero con su látigo los ahuyenta) y canta una canción lúgubre y tenebrosa en cada esquina de su trayecto para invocar a las almas del purgatorio a que se despierten, esta es la canción que pronuncia en cada esquina : “Despertar almas dormidas, a rezar un padre nuestros y dos aves maría, por las benditas almas del santo purgatorio, por el amor a Dios”. Al momento de terminar esta frase la gente del pueblo se acerca al animero se persigna y da una limosna para la iglesia, y el animero en una especie de transe sigue su camino hasta su destino. Cuenta la tradición que el animero no puede regresar a ver  ya que las almas lo castigarían por la curiosidad.

En mi familia existe la tradición de contar historias de miedos, antes de ver al animero y subir al cementerio caminando en la obscuridad hasta el encuentro del rito.

Según mis parientes ya veteranos esta tradición ha ido perdiendo su credibilidad y devoción ya que en estos últimos años en el pueblo han ocurrido varios factores que han estropeado al rito como son: la luz eléctrica, la abundancia de turistas, el negocio por parte de los animeros, la falta de respeto, la falta de devoción y en si la época. Cuentan mis parientes que cuando ellos eran pequeños para ellos el animero era una especie de demonio que tenían miedo y que antes no se lo podía ver por el miedo,  que solo se escuchaba sus campanazos y su lúgubre cantar, y los niños de la época tenían terror al animero.

Sin duda esta tradición es única de esta región de la sierra y yo la aprecio bastante por su misticismo que tiene y por la tradición de mi familia.

  

Exposicion de arte Universidad Catolica

Mirar, tocar, sentir…

Esta exposición de arte se dio en la universidad Católica del Ecuador el viernes 29 de octubre en el centro de exposiciones de la universidad. La exposición constaba de obras de arte escultóricas de de los distintos grupos étnicos del Ecuador así como: “Cultura machalilla”, “Cultura Valdivia”, “Cultura chorrera”, entre otras; con esculturas como: la Venus de Valdivia y figuras antropomórficas de mujeres y hombres, también se podía observar varios utensilios de cocina como ollas, vasijas, vasos, y algunos elementos musicales de las culturas.

Estaban también en exhibición otras esculturas de carácter internacional como la Venus, rostros de poetas, entre otros.

El objetivo de esta exposición era  sentir y tocar a las esculturas vendados los ojos simulando a una persona no vidente para nosotros crear una imagen de la escultura según la forma de esta tratando de imaginarnos como se la vería y después quitarnos el vendaje para verla con nuestros propios ojos.

El recorrido empezó con una observación detallada de las figuras antropomorfas de las culturas ecuatorianas, luego el guía nos coloco a mis compañeros y a mi persona unos vendajes para no ver nada de las siguientes obras que estaban en otra sala. Estas obras se las podía manipular y tocar y el guía con su voz nos explicaba la historia de cada escultura, también nos orientaba nuestras manos para poder tocar a la figura. Fue largo el trayecto que estuvimos vendados tocando a muchas esculturas como las figuras de nuestras culturas que tenían varios relieves que nos confundían y nos hacían que nuestra imaginación vuele, pero también al tocar la esculturas internacionales nos perdíamos en las barbas de los poetas griegos pensando e imaginándonos otras cosas pero menos que eran barbas. Al final el guía nos quito las vendas para poder observar todo lo que habíamos tocado y asimilar con lo que nuestra imaginación había creado.

Fue una experiencia muy interesante ya que  pudimos sentir como percibe el arte una persona no vidente y tratamos de imitar su sentido del tacto y del oído pero realmente es difícil lograr tener en la mente la imagen casi exacta de la figura solo guiándonos por el tacto; con esta experiencia se podría decir que es posible tocar y sentir el arte explorando nuevas sensaciones en nuestro cuerpo al manipular una escultura, para mi persona fue una experiencia nueva e inquietante y muy creativa.

Como exposición y conceptualización, la exposición fue un éxito, nunca se había visto una exposición así, fue una muy buena idea manipular las figuras, pero si hubo cierta desorganización en cuanto a los guías y la explicación fue clara pero no tan detallada pero fuera de todos estos problemas, la exposición tubo mucha acogida y gusto mucho a la gente.

TRABAJO III ARQUITECTO DEL RENACIMIENTO

ALBERTI ARQUITECTO DEL RENACIMIENTO

Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 20 de abril de 1472) fue sacerdote, Secretario Personal (abreviador apostólico) de tres Papas (Enrique IV, Nicolás V, Pio II)(desde 1431 a 1464), humanista, arquitecto, proyectó edificios aunque nunca dirigio sus obras, matemático, y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es una de las figuras del humanismo y personalidad artísticas teórica más polifacéticas del Renacimiento.

Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la perspectiva científica y por último en De re ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.

El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo moderno propugnando de ese modo la praxis antigua y la moderna, que había iniciado Filippo Brunelleschi. Además, según Alberti: "...el artista en este contexto social no debe ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las disciplinas y en todos los terrenos". Una idea heredera del enciclopedismo medieval de los doctos, pero adaptada a la vanguardia humanista.

La clase social con la que Alberti se relacionará es la alta burguesía culta florentina. Trabajó al servicio de los mecenas más importantes de su época: el papado, los Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua, los Malatesta en Rímini...

 

Biografía

Alberti nació en Génova. Era hijo natural de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de comerciantes y banqueros florentinos, desterrados de la ciudad toscana en 1401 por motivos políticos. De hecho, Alberti no conocerá la ciudad de la que su familia era originaria hasta 1434.

Sus primeros estudios los dedicó a las Letras, primero en Venecia y luego en Padua, pero los abandonó al trasladarse a la Universidad de Bolonia, donde empezó a estudiar Derecho (y tal vez griego), a la vez que desarrollaba otras disciplinas artísticas, entre las que hay que señalar la música, la pintura, la escultura, las ciencias físicas y matemáticas, y la filosofía.

Alberti se dedicó a la literatura desde muy joven, incluso antes de inicar sus estudios. En Bolonia escribió una comedia autobiográfica en latín, una lengua que dominaba con gran maestría, la Philodoxeos fabula (Amante de la Gloria), con la que consiguió engañar a todos los expertos de su época, que la consideraron original y la atribuyeron a Lépido, el nombre que usó para firmar Alberti. También en latín compuso diálogos, los Intercœnales, que algunos atribuyeron a Luciano de Samosata a causa de su circulación anónima y su carácter satírico, y en 1428, una obra titulada Deifira, en la que explicaba el modo de escapar de un amor que se hubiera iniciado con mal pie, inspirado con toda probabilidad en vivencias personales.

Tras la muerte de su padre en 1421, Alberti tuvo fuertes diferencias con la familia, a lo que se unieron problemas de tipo económico. En esta época Alberti fue ordenado sacerdote, y comenzó una exitosa carrera eclesiástica en la diplomacia vaticana. En 1431 se convirtió en secretario del patriarca de Grado, en 1432 se trasladó a Roma, en donde fue nombrado "abreviador apostólico" (su cargo eclesiástico era el de rubricar los "breves apostólicos", las disposiciones papales enviadas a los obispos). Durante 34 años trabajó como abreviador, viviendo entre Roma, Ferrara, Bolonia, Florencia, Mantua y Rímini.

En 1433 Alberti empieza a redactar cuatro libros en lengua vulgar, en el dialecto italiano de la época hablado en la región toscana, una importante elección, los Libros de la Familia, que están considerados como su obra maestra, y que finaliza en 1441. Se trata también en esta ocasión de un tratado que "reproduce" un diálogo apócrifo desarrollado en Padua, en 1421. En el debate participan varios componentes de la familia Alberti, personajes reales. En el diálogo se enfrentan dos visiones opuestas: por una parte aparece la mentalidad emergente, burguesa y moderna, por otra la tradición, una mentalidad clásica unida al pasado. El análisis del libro es una visión de los principales aspectos de la vida social de la época, el matrimonio, la familia, la educación, la gestión económica de la familia, las relaciones sociales.

A pesar de haber escrito numerosos textos en latín, lengua a la que reconocía un gran valor cultural y unas cualidades expresivas superiores, Alberti fue un ferviente preconizador de la lengua vulgar, a la que consideraba más adecuada a las exigencias de una sociedad naciente en permanente transformación. La experiencia del Certame coronario, una competición de poesía dedicada al tema de la amistad, desarrollada en Florencia en 1441, sirvió como afirmación de la importancia y valor de la lengua vulgar. A la idea de este concurso hay que atribuir las pruebas de diversas líricas desarrolladas por Alberti, recogidas y publicadas sucesivamente con el título de Rimas, casi todas de tema amoroso, pero muy originales e innovadoras tanto en su estilo como en la métrica. Se trata de uno de los primeros ejemplos en la literatura italiana del recurso a una métrica "bárbara".

 

OBRAS  Y ANALISIS 

PALACIO DE RUCELAI

Esta obra es la mas importante en las construcciones de alberti en florencia muestra el poder de una familia burguesa que se distinguio por su mecenasgo. Este palacio es una nueva inventiva de los palacios de la epoca , que consta de un orden geometrico y hace que los alquitrabes no coisidan con las alturas de las plantas tambien juega con los ordenes de la construccion , en la planta baja orden dorico y corintio en las superiores. dandole un juego de luces y sombras a la edificacion.

FACHADA DE LA IGLESIA DE SANTA MARIA DE NOVELA

Esta obra es de los ultimos años de actividad de alberti. Esta obra tiene rasgos del romanico toscano por sus materiales como el marmol como por su confirguracion geometrica de la superficie. En el piso superior correspondientemente en altura con el sobrealzado de la nave central, definio una formula de gran fortuna posterior: un cuerpo central a modo de templete coronado por un fronton triangular y perforado en este caso por un gran oculo que se encuentra con el inferior a traves de dos contrafuertes triangulares convertidos en volutas.

TEMPLO MALATESTA

Es una obra funeraria que el principe de Rimini quiso dejar para la posteridad su sepultura y la de sus familiares y acudio a alberti quien combirtio a una humilde iglesia franciscana en un panteon romano.

La obra debia tener una gran cupula pero no se la pudo realizar, la fachada principal concebida a modo de arco triunfal, alcanzo solamente la altura del primer piso y los sepulcros del principe no se los colocaron como estaba señalado.

IGLESIA DE SAN SEBASTIANO

Esta obra ha sido muy trasformada en epocas posteriores sufriendo las ultimas de las intervenciones en nuestro siglo lo cual hace dificil apreciar el pensamiento original del arquitecto, pero se puede apreciar que Alberti saco ideas de edificios antiguos para esta construccion. esta iglesia es central con dos alturas, la superior con una gran cupula pero esta nunca llego a realizarse la inferior consta de tres naves separadas por dos filas de pilares.

GLESIA DE SAN ANDREA

Esta iglesia tiene una planta de cruz latina. Tambien se supera el concepto que tenian antes los arquitectos de que la fachada debe representar lo que hay en el interior, actuando la misma como un objeto independiente que integran las soluciones del templo Malatesta. Conjugando la tipologia del arco de triunfo con la de la pronaos de un templo clasico. Alberti coloca una seria de pilastras que soportan un fronton triangular. El interespacio central dobla en anchura la de los laterales, y estas se dividen en tres pisos, la central acoge un profundo atrio cubierto por una boveda de casetones.

TRABAJO II ARTE GOTICO

Este trabajo es en grupo (arquitectos, pintores y escultores )


PINTORES DEL GOTICO

Giotto di Bondone (siglo XIII)

Mejor conocido solo por su nombre de pila (calle de Vespignano 1267- Florencia, 8 de enero de 1337) fue un noble pintor  del Trecento. Se le considera el primer artista del los muchos que contribuyeron en la creación del Renacimiento Italiano y uno de los primeros  en sacudirse las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Si bien se limito fundamentalmente  a pintar temas religiosos, fue capaz de dotarnos de una apariencia terrenal llena de sangre y fuerza vital.

Biografía y Acontecimientos Históricos

Nació en calle del Vespignano, era hijo de un campesino y paso su infancia como pastorcillo, llamado también Ambrogiotto  de ahí su diminutivo Giotto.

Fue discípulo del pintor Cimabue, demostró su talento a los 11 años de edad, pintaba con tiza en las piedras cuenda pastaba a las ovejas y fue ahí donde el pintor Cimabue vio el talento de Giotto y lo elige como su aprendiz.

Su carácter era divertido y bromista a tal punto que en una ocacion pinto una mosca en la pintura de un retrato, se caracterizaba por su realismo y su maestro pensó que la mosca estaba viva, pero se dio cuenta que Giotto tenía un gran talento (pintaba figuras casi reales).

Sus obras eran tan buenas que trascendieron su pueblo y fue contratado por el papa Benedicto XIII para trabajar en Roma, luego empezó a pintar obras religiosas, haciendo frescos en la Basílica de San Francisco de Asís.

Tambien realizo mas adelante en los años 1297 y 1299 una nueva serie de frescos en la parte inferior de los muros de esta misma iglesia, visto los excelentes resultados se le solicito que pintara entre 1305-1306 los extraordinarios frescos de la capilla de Arena en Padua.

En el año de 1334 se le nombro (magister etguberdor) también Giotto era arquitecto y diseño e famoso campanaille de la Catedral de Florencia. Fallecio el 8 de enero de 1337 antes de ver terminados las obras de campanario, fue enterrado con honores de noble y dignatio político.

“Giotto tradujo el arte de la pintura del Griego al Latín”

Pinturas y Obras

Su arte fue extremadamente innovador, sus obras fueron del arte vicentino al arte más realista del Renacimiento.

A despecho de su familia y increíble demanda de sus frescos ninguna de sus obras puede ser documentada como suyas mas allá de toda duda razonable, es el pintor que presenta mayor problema de atribución.

Entre sus famosos lienzos y frescos se destacan:

-“La desesperación” Capilla de la Arena.

-Escenas de la vida de San Francisco de Asís, la expulsión de los diablos de Arezzo

-“Joaquín expulsado del templo” Capilla de los Serovegni

Cimabue

Cenni Di Pepo (Giovanni)  Gimabue (1240 en Florencia- Italia-1302) también conocido Bencivieni Di Pepo, fue un pintor y creador de mosaico florentino. Se le considera iniciador de la escuela Florentina del tréncelo.

Biografía y Obras

Sus primeros trabajos están realizados a la manera greca (influencia del bizantino) utilizando el temple, con todo dorado. En sus obras se aprecia un rígido estatismo.

Posteriormente Cimabue viajo a Roma (1272) donde tomo contacto con el mundo clásico, paleocristiano y románico. Ademas conoció a Pietro Cavalini, todo ello influyo en él para liberarlo de los cocones y móneras bizantinas. Es entonces cuando la obra de Cimabue viro hacia una cierta búsqueda de naturalismo. Se le considera un  importante pintor pre-giolesco.

Fue el ultimo pintor de la tradición bizantina. El arte de esta época comprende escenas y formas que parecen bastantes planas y muy estilizadas, Cimabue fue pionero en una tendencia a naturalismo como pues sus figuras son más realistas.

Obras más Importantes

Sus principales obras son el Chislo Crusivijado. Es una pintura sobre tabla hecha al temple, aparece la sensación de volumen gracias al sombreado, otra de sus obras es la madona en su trono, donde la Virgen aparece flanqueada por ángeles.

Entre sus obras sobresalen un retrato de San Francisco de Asís y dos versiones del tema de la Maesta esto es, la virgen en majestad con el niño, inspirados en modelo bizantino.

Obras Crucifijos

-Crucifijo, iglesia de San Domenico

- Crucifijo, iglesia de Santa Croce Florencia

-Tabla representando a San Francisco, Museo

-Maesta (Virgen en majestad)

JUAN GUAS

Desde su juventud siguió los pasos de su padre Pedro Guas, con el que colaboró en el equipo de Hanequin de Bruselas en la realización de la Puerta de los Leones de Toledo. La mayor parte de su trayectoria profesional se desarrolla en Castilla, coincidiendo con la monarquía de los Reyes Católicos. Destacó por ser el máximo baluarte del estilo isabelino. En los primeros años de la década de los sesenta se instala en Avila, donde realiza la puerta de la catedral y diez años después su nombre aparece vinculado al claustro de la catedral de Segovia, donde detentó el cargo de maestro mayor hasta 1491. En estos años interviene además en el Parral, la Cartuja del Paular y la catedral de Toledo. Pero es en el Palacio del Infantado (1480-1483) en Guadalajara, donde mejor expresa su maestría por su magnífica decoración. Para su ejecución se inspira en el prototipo de palacio señorial que entonces imperaba en Castilla. En este proyecto contó con la ayuda de Enrique Egas. Otra de sus obras cumbres es la iglesia de San Juan de los Reyes en Toledo, donde la sencillez del diseño arquitectónico permite una mayor apreciación de los motivos ornamentales de estilo flamígero y mudéjar. En este edificio, edificado para conmemorar la batalla de Toro, es importante destacar la decoración heráldica ya que en un principio se pensó que podría ser capilla funeraria de los Reyes Católicos. En este proyecto le ayudaron Enrique Egas yEgas Cueman. Cuando falleció ocupaba el cargo de maestro mayor de la catedral y de las obras reales.

Monasterio de San Juan de los Reyes

Toledo se convierte en uno de los grandes focos de la arquitectura peninsular de la segunda mitad del siglo XV. Para conmemorar el nacimiento del príncipe don Juan y la victoria conseguida en Toro en el año 1476, la reina Isabel funda el convento de San Juan de los Reyes en Toledo. Juan Guas será el encargado de llevar a cabo las obras.

CHARLES GAUTER DE ROUEN

De nombre Charles Gauter de Rouen, emigró a Barcelona desde Rouen durante la Guerra de los Cien Años. Se convirtió en arquitecto de las catedrales de Barcelona y Lérida, visitando Zaragoza y Sevilla, donde también trabajó en la construcción de la nueva catedral. Formado en el Gótico Internacional, dominaba la decoración de pequeña escala, preciosista y laboriosa.

Maestro Carlí (Charles Gauter de Rouen)

El haram o sala de oración de la antigua mezquita, en uso como espacio cristiano religioso, definirá el ámbito de la nueva catedral. Tendrá cinco naves, de gran anchura -76 metros en total y 116 de longitud- y altura: 36 metros la central y 26 las laterales, alcanzándose la cota máxima en los 40 metros del crucero, siendo la mayor en superficie hasta la construcción de San Pedro del Vaticano. En las naves laterales se disponen capillas intercaladas entre los contrafuertes. En la actualidad es el mayor templo gótico del mundo y el tercero en dimensiones, sólo superado por la basílica de San Pedro del Vaticano y la catedral de San Pablo de Londres. La cabecera se modificó y la capilla de los Reyes es del siglo XVI. Dentro de las numerosas capillas se encuentran enterrados los reyes Fernando III, Beatriz de Suabia, Alfonso X y Pedro I y personajes ilustres como el cardenal Cervantes y Cristóbal Colón y su hijo Hernando.
En 1928 la catedral sevillana consiguió la catalogación de Monumento Nacional y en 1987 entró en el catálogo del patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.

Vida y estilo

Gil de Siloé es una de las máximas figuras de la escultura hispánica, y europea por extensión, del siglo XV, cuando las formas del gótico postrero, hibridadas por las del arte mudéjar y las influencias flamencas de tipo flamígero, dieron origen al estilo gótico isabelino, exclusivo de España, del que Gil de Siloé es representante emblemático.

Los nombres por los que es conocido evidencian la confusión que rodea su origen. En algunos documentos se le cita como Gil de Emberres (Amberes), por lo que se cree fuera originario de Flandesen otros como Gil de Urlianes, por lo que podría venir de Orleans.El nombre que habitualmente se repite en los documentos es el de Maestre Gil; sólo en algún momento muy concreto se añade la palabra Siloe,y aplicada sobre todo a su hijo Diego.Para algunos era Abraham de Nürenberg a quien trajo a España Alonso de Cartagena, para otros en cambio provenía del mundo de los conversos. “En definitiva, estamos ante alguien venido de fuera con un bagage de formación nórdica, donde acusa lo flamenco, aunque en parte tampoco le es ajeno lo germano” y aún esto es para algunos discutible, pues imaginan podría ser burgales hijo de algún oficial que acompañó a Juan de Colonia cuando se asentó en la ciudad.

Desconocemos cómo apareció en Burgos, y cómo enlazó con la familia Colonia; si fue por parentesco, por misma nacionalidad ó por afinidad artística. El hecho es que Juan y Simón de Colonia,-los dos grandes arquitectos de las postrimerías del gótico-, y,-el gran imaginero-, Gil de Siloe vivieron unidos en permanente colaboración.

Su nacimiento puede datarse alrededor de 1440-50 y probablemente no mucho antes.

Desarrolló su actividad en Castilla y más concretamente en la ciudad de Burgos y sus alrededores. Está documentado entre los años 1470y 1501 fecha probable de su fallecimiento en la capital castellana. En este lapso de tiempo pueden distinguirse dos períodos muy diferentes. En el primero, 1470-1486, vida y obra aparecen entre brumas en la que apenas se dibujan los contornos; en el segundo, 1486-1501, las vemos ya nítidamente dibujadas dirigiendo Gil un gran taller y con una vida acomodada.

Casó con una hija de Pedro de Alcalá, con la que tuvo dos hijas y dos hijos, uno de los cuales fue el famoso Diego de Siloe, artista que destacará fundamentalmente como arquitecto en el Renacimiento.

Su estilo es recargado, decorativista y muy minucioso, dotado de un extraordinario virtuosismo técnico.

Taller

La envergadura y el amplio número de obras encargadas a Siloe en un espacio de tiempo documentado relativamente corto, 1486-1501, -Burgos era una ciudad rica en el último tercio del siglo XV, en ella vivía multitud de mercaderes, comerciantes,etc, con negocios de gran envergadura- así como el nivel de calidad altísimo que mantuvo en la mayoría de las ocasiones, -algunas familias habían adquirido un fuerte poder y hábitos copiados de la aristocracia: encargaban su sepulcro en capilla propia, organizan su casa como una gran residencia, adoptan signos caballerescos, etc- indican la existencia de un taller disciplinado que había asumido perfectamente su manera de hacer.

El taller de Siloe en Burgos, era un taller en el que había una personalidad creadora reconocida en el medio en el que vivía, que ideaba formas y tenía aprendices y ayudantes que expansionaban su estilo. La obra de arte era considerada como un trabajo al servicio de un funcionalismo religioso ó político. Se trataba de una capacidad técnica, la del escultor, para hacer retablos de grandes dimensiones e imágenes ó sepulcros en cantidades ingentes, que les eran demandados. El retablo, por su aparatosidad, por su dimensión, llamaba la atención del fiel y le ponía en relación con los misterios del dogma allí relatados con una pretensión de realismo.

Con Siloé en Burgos, la idea general, la concepción global, pasó a ser la protagonista del quehacer artístico: había que darla una plasmación mediante relieves, esculturas y pinturas, que quedaban subordinadas a las líneas arquitectónicas y decorativas del conjunto. Gil de Siloe, más que escultor, -que también-, de imágenes o relieves, es autor de un conjunto subordinado a una serie de leyes: dimensiones acordes con el enmarcamiento arquitectónico en que va a ir situado, temas iconográficos, riqueza decorativa y de materiales. El mecenas, en el caso de los retablos, no se interesaba, en general, por el valor estético o por la creatividad de cada escultura ó de cada relieve, sino que lo que le interesaba era el conjunto y que los asuntos reflejados fuesen claros y se ajustasen a los temas convenidos. Esto explica la importancia de la acción del maestro que organizaba todo el trabajo del conjunto: el que ideaba la arquitectura, su decoración y distribuía los espacios para alojar la imaginería.

 Obra

Cartuja de Miraflores

Sus obras más importantes se encuentran en la Cartuja de Miraflores. El conjunto cartujano, emplazado en la capilla mayor del monasterio, lo integran tres elementos: en el centro del presbiterio, los sepulcros de bultos yacentes, ricamente ataviados, de los reyes castellanos Juan II e Isabel de Portugal, formando ambos un único conjunto de planta estrellada de ocho puntas; adosado al muro del Evangelio, el sepulcro del infante Don Alfonso, y en la cabecera, el retablo principal.

Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal

Sepulcro de los reyes Juan II e Isabel de Portugal, obra de Gil de Siloé, en la Cartuja de Miraflores.

Los sepulcros reales, facturados en alabastro, que las manos del artista moldea como si estuvieran realizados en cera, reclamaron a Siloé cuatro años de trabajo, entre 1489 y 1493. Fueron un encargo de la reina Isabel la Católica, hija de los monarcas, y en ellos el virtuosismo del autor llega a extremos de difícil superación.

En el encargo de los sepulcros hubo mucho más que la intención de cumplir con un deber real y filial. Por una parte Isabel señalaba con claridad cual era el árbol genealógico correcto de la dinastía, al tiempo que olvidaba de un modo consciente a su hermanastro Enrique IV no querido;por otra, en un momento en que la aristocracia construía los más ostentosos recintos funerarios conocidos hasta entonces, pretendía que lo que se hiciera en la Cartuja fuera ejemplar como símbolo de afirmación monarquica.

Detalle del Sepulcro de los reyes Juan II e Isabel de Portugal. Cartuja de Miraflores.

La forma en planta del monumento funerario es la de una estrella de ocho puntas (intersección de un rombo y un rectángulo); por su gran superficie hubo lugar en ella para diversas imágenes, además de para las yacentes de los reyes. Del conjunto sobresale el virtuosismo con que está trabajado el brocado del vestido real.

Las cuentas del monasterio hablan de que se emplearon 158.252 maravedises en el alabastro (traído de Cogolludo -Guadalajara- y lugares limítrofes) y que el precio del trabajo se elevó hasta 442.667 maravedises (es decir, casi las tres cuartas partes del total).

Sepulcro del Infante don Alfonso

Sepulcro del Infante don Alfonso, obra de Gil de Siloé, en la Cartuja de Miraflores.

El sepulcro del infante Don Alfonso se trata de un bulto orante bajo arcosolio carpanel con intradós, con caireles calados (por desgracia, diversos destrozos han ido haciendo desaparecer gran parte del cairelado de la izquierda y todo el de la derecha; de haberse conservado se asemejaría a una celosía que dejara el fondo en penumbra) y trasdós conopial, más dos esbeltas pilastras -uno de los lugares elegidos para incorporar la iconografía religiosa- aguzadas en los extremos. La decoración marginal se impone en todo el conjunto; se ha recurrido a lo vegetal,-vid, roble, cardo, bellotas, racimos de uvas, …-, a lo animal, -caracol, conejo, águila, león, lechuza, zorro, ardillas, aves-, y a lo humano en forma de niños desnudos, putti, de tamaños y actitudes variables. ¿Motivos ornamentales ó significativos?.

La superficie limitada entre los dos arcos está cubierta por una profusa ornamentación que acoge, en la parte media superior, un San Miguel guerrero en lucha contra el dragón diabólico por encima del cual aparece un rostro tricéfalo. La estatua del infante don Alfonso arrodillado, en actitud orante, centra la composición. Le precede un reclinatorio cubierto por un riquísimo paño de brocado donde reposa sobre un cojín un libro abierto de oraciones. Dos aspectos llaman poderosamente la atención de los especialistas: la existencia de un brazo y mano envuelto en ropaje en actitud de cambiar las hojas del libro y que tan sólo puede verse desde una posición cenital, y la inclinación del paño que cubre el reclinatorio inclinada de una manera contraria a lo que sería lo normal.

La iconografía religiosa del sepulcro de don Alfonso destaca por su sencillez y concreción. Culmina el sepulcro una solemne Anunciación habitual en los monumentos funerarios de la época; entre María y el Arcangel, el jarrón de azucenas. Los Apóstoles y los Santos podían ser poderosos intercesores a la hora de la muerte y un testimonio de la fe del difunto; aquí los encontramos, dispuestos por parejas, en los pilares de enmarcamiento del sepulcro.

Gil de Siloé